Contemporáneo

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El próximo domingo 16 de octubre a las 11:00am, Azularte Galería estará inaugurando la exposición “Gallera Cromática”, de los artistas Alberto Sierra y Omaira Gutiérrez, con la que celeberarán los 18 años de éste espacio y los 26 años de trayectoria en El Hatillo (sumados los 8 años de El Morrocoy Azul) de esta propuesta, impulsando el arte venezolano.

La galería reunió en una sola muestra los dos trabajos plásticos más significativos en el país, en el tema de los gallos tallados o calados en la madera con policromía, por sus elevadas concepciones estéticas y su admirable ejecución técnica.

El trabajo de Alberto Sierra es realizado en talla en madera con un toque de rusticidad que emula el primitivismo en su acabado, lo que le confiere a la pieza ese carácter que la caracteriza. A ello se suma el puntillismo con el que minuciosamente va otorgándole al ave una especie de bordado pictórico que le otorga esa mirada contemporánea que hace única y totalmente identificable su obra. Un hermoso trabajo plástico que requiere tiempo y dedicación.

La obra de Omaira Gutiérrez es impecable, preciosista en sus detalles de acabado sobre el gallo que ha sido calado en madera. Son aves estilizadas con plumajes elegantes y finamente decorados con cierto aire vintage por los diseños delicadamente pintados en series geométricas. No hay ningún temor al color y sus contrastes ya que la artista lo domina con maestría. Un delicado y elaborado trabajo que sublima la figura.

La exposición clausura el día 6 de noviembre.

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Jesús Soto fue un excelente artista contemporáneo, trabajo en obras  ligado al cinetismo. Uno de sus mayores aportes fue la obra “Los Penetrables”, por medio de los cuales logró integrar al hombre a la obra de arte y redujo la distancia entre el arte y la vida.

Uno de los iconos de la ciudad, creado por este artista lleva  como título "Esfera Caracas", diseñada en diciembre de 1996 bajo el patrocinio del plan "Un cariño para mi ciudad". En la placa original se indicaba que la imponente pieza se erigió, "por la iniciativa y empeño de la Primera Dama Alicia Pietri de Caldera, para mejorar espacios públicos de la ciudadanía".

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Arte abstracto en el espacio de Objetos DAC,  a partir del 27 de febrero.

En sus acrílicos,  la artista se enfoca en el proceso. Éste adquiere un significado más allá del aspecto técnico,  permitiéndole abstraerse de la cotidianidad, evadirse, meditar. Lugares anónimos y contemplativos emergen de su obra.

A partir del próximo sábado 27 de febrero, en el espacio de Objetos DAC,  la artista plástica venezolana,  Mey Saldivia, expondrá su serie de pinturas abstractas, titulada,  “MEDITATIVA”, las cuales,  trascienden la realidad y se remiten a lo más esencial del arte: el color y la línea.

En sus obras,  la artista se enfoca en el proceso. Éste adquiere un significado más allá del aspecto técnico,  permitiéndole abstraerse de la cotidianidad, evadirse, meditar. Lugares anónimos y contemplativos emergen de su trabajo. La pintura se desarrolló en paralelo junto al diseño, la ilustración y la docencia, siendo estos últimos años, cuando le dedica exclusividad y se deja atrapar irreversiblemente, por el abstraccionismo.

“Mi arte es un proceso sin pre-concepción, intuitivo y sorpresivo. No hago bocetos, no escojo colores previamente. No sé cuál será el resultado, pues no paró hasta que estoy satisfecha, usualmente son muchas capas, unas sobre otras de manchas, líneas, blancos, todo surge espontáneamente, colores, texturas y transparencias se van incorporando unos cubriendo otros. En el proceso,  la composición va cambiando, se va ajustando hasta que alcanza su balance”, explica la artista.

Si bien los acrílicos son predominantes, también utiliza creyón, lápiz y marcador, siendo su técnica mixta.

Mey Saldivia,  estudia Commercial Art en Massachussets y diseño gráfico en el Instituto de Diseño de la Fundación Neumann, donde fue alumna de Luisa Richter, Ina Bainova y Patricia Van Dalen, entre otros. Trabajó como diseñadora gráfica free lance, para luego dedicarse a la ilustración.

“Yo nací con un lápiz en la mano. Dibujaba todo. Nunca deje de dibujar y pintar, pero no fue sino hasta que decidí explorar el mundo del abstraccionismo, que el arte me atrapo total e irreversiblemente.

La muestra de aproximadamente, 22 piezas de la pintora, se presentará en el espacio de Objetos DAC,  en Paseo Las Mercedes y se inaugura el sábado 27 de febrero a las 4.30 p.m. Se trata de un espacio dedicado al diseño, el arte y complementos 100 por ciento venezolanos, donde ya han expuesto artistas como Jhony Fung, Dalia Ferreira, Alirio Infante, Eriberto Malfesi, Patricia Kochi,  Jeanette Moretti, Andreína Acedo y Pedro Quintero, entre otros reconocidos artistas venezolanos. Estará disponible para ser apreciada por el público hasta el mes de mayo. 

https://www.instagram.com/meysaldivia/
Facebook: Mey Saldivia - Arte
Twitter: @meysaldivia
Instagram: @objetosdac

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El domingo 31 de enero en el Secadero No. 2 de la Hacienda La Trinidad, se llevará a cabo la inauguración de la exposición Marx Palimpsesto de la artista venezolana Deborah Castillo. El mismo es un performance-instalación donde Castillo reflexiona sobre las utopías ideológicas y la vocación política del arte, desde y a partir del Manifiesto comunista. La acción consiste en presentar el manifiesto marxista deshilachado en citas y frases escritas en las paredes de la galería, palabras que se materializan gráficamente y se extienden espacialmente. En este performance-instalación diversas palabras de las frases del texto son borradas por la artista, utilizando para ello una “goma de borrar” gigante que es la reproducción del busto del propio Marx. A partir de esta borradura se propone una nueva interpretación del discurso, contrario a la doctrina original, creando así una multiplicidad de lecturas interpretativas que van desde los ámbitos puramente filosóficos hasta el cuestionamiento de las relaciones entre discurso y cuerpo, entre idea y realidad cotidiana. Deborah Castillo vive y trabaja entre New York y Caracas. Realizó estudios de Artes visuales en la Escuela Superior de Artes Plásticas Armando Reverón (Caracas). Asimismo, ha participado en programas de residencias artísticas en TheBanff Center (Alberta, Canadá, 2015), en el Atlantic Center ForTheArts (Florida, 2014) y en el London Print Studio (Londres, 2007), entre otras. “Marx Palimpsesto” de Deborah Castillo Del 31 de enero al 6 de marzo. De martes a sábado de 10:00 am a 5:00 pm, y domingos de 11:00 am a 4:00 pm.

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Con dos grandes instalaciones y 8 piezas en pequeño formato participará el artista venezolano Luis Millé en la exposición “Art Construit Latino-Américain, nouvelles propositions”, que será inaugurada este jueves 17 de diciembre en la Galería Denise René, en París (Francia).

La muestra reúne el trabajo de tres artistas venezolanos y dos argentinos (Luis Mille, Gisseline Amiuny, Karina Peisajovich, Inés Silva y Ventoso), “cuyas carreras se han desarrollado esencialmente en América Latina, que comparten el interés común  por la problemática de la implantación de los volúmenes, los conceptos visuales y los medios gráficos geométricos, llevados por el juego del poder emocional del color, dando respuestas estéticas radicalmente diferentes” según se expresa en un comunicado de prensa de la galería.

En tal sentido, Luis Millé presentará en esta exhibición dos instalaciones grandes de sus tensometrías y 8 tensometrías pequeñas. Según explica el propio artista, “el trabajo de las tensometrías está concebido dentro de la abstracción geométrica y como una investigación fenomenológica del espacio y no dentro de él”. A su juicio, la escultura es una situación tridimensional y no una volumetría dentro del espacio, “y es por ello que al ser una situación, es cambiante y se hace a sí misma, con sus diferentes relatividades del espacio-tiempo”.


Al referirse a la obra de Millé, el curador e investigador en artes visuales, Freddy Carreño, afirma que se trata de una propuesta conceptualmente desprendida de la idea del volumen tradicional, que se reformula para dar sentido a nuevas formas, modeladas a partir de una sumatoria de planos que interactúan entre sí de diversas maneras para proponer al espectador nuevas percepciones del espacio.

“Las realizaciones sujetas al plano se alejan del soporte en busca de la tridimensionalidad, se fragmentan, se desdoblan para crear una dinámica que estimula la movilidad del espectador; los volúmenes intensifican esa intención en la medida en que sus componentes se desprenden del ‘cuerpo de la obra’, para propiciar el contraste con los vacíos y estimular así los procesos perceptivos”.

En relación a las instalaciones de Millé, Carreño indica que se configuran a partir de una multiplicidad de pequeños planos dispuestos en posiciones y orientaciones distintas, guiados por frágiles y elásticas líneas que orientan al espectador en el recorrido interior y la observación desde “el afuera” de la obra.

Nacido en Caracas en 1967, Luis Millé ha desarrollado una fructífera carrera artística a lo largo de dos décadas, durante las cuales ha exhibido su obra en Venezuela y otros países como Japón, Corea, Panamá, Colombia, Hungría y Francia. Igualmente ha participado en el Salon Comparaisons, Espace Auteauil (Paris, Francia), XII Feria Internacional de Arte de Bogotá, ARTBO (Colombia), Bienal Internacional de Escultura de Toyamura (Japón), entre otras importantes exhibiciones internacionales.

En 2009 recibió una Mención Honorífica en la X Bienal Nacional de Escultura Francisco Narváez, Museo Nacional para la Escultura Francisco Narváez (Edo. Nueva Esparta, Venezuela), y en mayo de 2015 la Asociación Venezolana de Artistas Plásticos, AVAP, le otorgó el Premio Armando Reverón en la mención Artista Joven.

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“Adán Reyes: Reflexiones Pop” es el nombre de la muestra individual que hasta el 29  de Noviembre, se exhibirá en   la recocida galería Okyo de Las Mercedes – que celebra 25 aniversario- para exhibir  el  trabajo que el artista plástico venezolano  ha desarrollado, en síntesis,  entre los años  2005 y 2015, y que cuenta con la curaduría de Alberto Asprino.

Adán Reyes nace en Las Mercedes Del Llano, Guárico. Reside en San Juan De Los Morros, Guárico. Es publicista egresado del Instituto de Nuevas Profesiones, en Caracas. Y en paralelo a su experiencia profesional en el campo publicitario se ha dedicado  a la actividad artística, como productor de televisión y  locutor,  indagando por más de 25 años en el arte pop que hoy en día sustenta su propuesta, “en mis obras de  Pop Art  frecuentemente recurro a la utilización de objetos cotidianos,  que me llenan de una gran carga motivacional que a su vez  se  refleja  en la utilización de colores vivos,  considero que abuso del color – confiesa- esta es la tendencia pictórica que me apasiona.”

Su formación autodidacta abarca el estudio de  afamados exponentes del arte a nivel universal, entre quienes destacan Vincent  Van  Gogh, Roy Lichtenstein y Andy Warhol, así como los grandes artistas plásticos  venezolanos, Armando Reverón, Carlos Cruz-Diez y Jesús Soto. Tomando  a los museos como una fuente permanente que nutre su vocación por el arte.  Su labor  se  distingue por  la utilización de  un proceso mecánico de reproducción, mediante el cual duplica sistemáticamente los objetos y realidades con una inmensa carga cromática, reconocibles por todo tipo de público. Para este proceso, cámaras fotográficas, impresoras de gran formato, proyectores y fotocopiadoras se convierten  en su aliado. Y durante este proceso la imagen y objetos son sometidos a simples síntesis gráficas, hasta perder totalmente el volumen, convirtiéndose en imágenes planas.  

La muestra  se exhibe en las instalaciones de la Galería Okyo, ubicada en la Av. Veracruz, Edificio La Hacienda, Planta Baja, Las Mercedes. El horario de exposición es de martes a viernes, de 10:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 3:00 a 6:00 p.m., sábados y domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es libre.

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La obra del artista peruano Jorge Cabieses, será exhibida en Caracas a través de una muestra titulada S/T, que será inaugurada este domingo 22 de noviembre a las 11 a.m. en la Galería GBG ARTS, donde permanecerá hasta el 6 de marzo de 2016.

El estatus de la imagen como tal, es el constante cuestionamiento que estructura la obra de este creador nacido en Lima en 1971, quien desde sus primeras exhibiciones –según él mismo afirma– mostró las imágenes de corte pop que se agotaban poco a poco en su propia repetición, hasta llegar a su producción artística más reciente, donde se concreta la imagen expropiada radicalmente de su sentido.

“En este mismo proceso se inscribe mi proyecto actual: la liberación de cualquier asociación simbólica con la realidad. He intentado en esta ecuación cuajar un discreto sesgo crítico a lo post-moderno, aquel que se dedica a sacralizar al fabricante de imágenes en desmedro de la imagen. El pintor mismo desaparece y el espectador acostumbrado al discurso de lo figurativo termina extraviado frente a la anulación de la historia y la reivindicación de lo esencial: la forma y el color”, explica Cabieses.

Asimismo, señala que en su obra pretende a través de una problematización del espacio, confrontarse a ciertos cánones de la imagen latinoamericana, como son la obsesión por la narración, el sentimentalismo exacerbado, y el morbo de lo privado. “Frente a ellos se establece una tensión constructiva en búsqueda de algo más universal, a pesar de mi propia angustia por la armonía y gracias a una íntima convicción de mis propios elementos”.

Jorge Cabieses Briceño ha participado en numerosas muestras colectivas e individuales en Perú, Chile, República Checa, Alemania, Polonia, Costa Rica y España; al igual que en diversas ferias internacionales como Arteamericas, (Miami, EEUU); ArteBA (Buenos Aires, Argentina); ArtBO (Bogotá, Colombia); The Armory Show (Nueva York, EEUU); Pinta (Londres, Inglaterra); Art Lima (Lima, Perú); y FIA (Caracas, Venezuela); entre otras. Fue seleccionado para la Beca de la Fundación Cisneros CIFO 2011, 2014/2015; y forma parte de la Colección Ella Cisneros Fontanals.

La exhibición individual S/T, del artista peruano Jorge Cabieses, podrá ser visitada desde el próximo 22 de noviembre hasta el 6 de marzo de 2016, en la Galería GBG ARTS, ubicada en la avenida principal de Prados del Este, Galpón #2 (galpón de lanchas), Caracas. El horario es de martes a viernes de 2 a 6 p.m., sábados y domingos de 11 a.m. a 3 p.m. La entrada es libre.

Cabe destacar, que en paralelo a esta muestra se realizará la presentación virtual (GBGPIXELES.COM) y física del proyecto de la Galería GBG ARTS, Formato Píxeles®, con la incorporación de más de 50 nuevo artistas, bajo este formato.

Para mayor información visitar la página web gbgarts.com o seguir las cuentas de Facebook GALERÍA GBG ARTS, Twitter @GBGARTS o Instagram @GBGARTS.

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Un conjunto de esculturas que expresan una profunda reflexión en torno al hombre y su condición humana, conforman la próxima exposición del artista venezolano James Mathison, que será inaugurada el sábado 14 de noviembre a las   , en la Galería Espacio 5 ubicada en la ciudad de Valencia, donde podrá ser visitada hasta el  30 de enero de 2016 .

Obra Reciente James Mathison es el título de esta exposición, que muestra distintas maneras de replantear el cuerpo como un mapa, a través de un discurso “que desde el arte nos permite pensar lo humano como un espacio de relaciones y no un hecho natural”, como lo expresa la curadora e investigadora de artes visuales; María Luz Cárdenas, en el texto de presentación.

A partir de la fragmentación del cuerpo y su transfiguración en lenguaje, Mathison desarrolla una propuesta artística, donde cada pieza (cabezas, manos, pies), se convierte en una totalidad.

En este sentido, María Luz Cárdenas señala que “El uso del fragmento registra niveles paralelos de comprensión que van del contacto perceptivo a un territorio de orden filosófico. La percepción nos remite a un cuerpo fracturado, pero conceptualmente es inevitable acudir a las lecturas históricas o arqueológicas, así como a la reflexión acerca de una posible fenomenología del cuerpo. Cada brazo, cabeza  o trozo de cuerpo nos acerca a una posible historia fragmentada de la humanidad y las huellas de esa fragmentación”.

Asimismo, la curadora se refiere a la manera en la que el artista se apoya en el texto como una alusión a los estados espirituales del hombre y a sus abismos profundos, como uno de los aportes conceptuales más significativos de James Mathison. “Las frases se despliegan sobre el pecho, la cabeza o la espalda; la oración recorre el cuerpo en una inesperada costura poética. Lo interesante de este proceso es que el verbo se vuelve materia, la escritura se convierte en cuerpo y el cuerpo en una escritura, caligrafía, gesto”.

Otro de los aspectos de la exposición que destaca Cárdenas es el trabajo que realiza el artista con la materia, al incorporar texturas, grietas, escrituras, signos ancestrales o pequeños orificios que nos hacen pensar que la piel se convierte en un código, mientras que la porosidad está representada a partir de retículas y entramados, o incluso agujeros que socavan la superficie y proporcionan diferentes texturas, según explica.

“Este trabajo con la materia vive momentos culminantes cuando se conjugan la materia y el vacío, lo cual se aprecia en las cabezas realizadas a partir de pequeños fragmentos de cuadros, las cabezas con huecos y las cabezas tramadas. En ellas la luz traspasa el volumen generando un efecto multiplicador. Por otra parte, las huellas, cuadrículas y grietas definen las improntas del tiempo sobre el cuerpo y los rastros que surgen del propio interior del individuo…” puntualiza Cárdenas.

Nacido en Caracas en 1966, James Mathison realizó estudios en técnica avanzada de fundición en el Central Saint Martins College of Art and Design de Londres (1991 -1992),  y en 1993 crea su taller de fundición en Caracas donde desarrolla su carrera como escultor. Su obra ha sido expuesta en diversas galerías y museos de Venezuela, así como de otros países como Estados Unidos, Panamá, China y Francia; y forma parte de colecciones públicas como la del Museo Ambiental (Parque Los Caobos, Caracas), Colección Permanente Shell Venezuela, Fundación Museos Nacionales-Museo de Arte Contemporáneo de Caracas , y Museum of Latinoamerican Arts (MOLA), Los Ángeles, EEUU.

La obra reciente de James Mathison podrá ser apreciada del 14 de noviembre al 30 de enero de 2016, en la Galería Espacio Cinco, ubicada en la avenida Carabobo, cruce con calle La Ceiba, Casa 141-10, urbanización La Viña, Valencia, Estado Carabobo. El horario de exhibición es de martes a viernes 10 a.m. a 1 p.m. y 3 a 6 p.m., sábados de 11 a.m. a 4 p.m. La entrada es libre.

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Este 5 de noviembre cierra el extraordinario ciclo CCS Forum 2015: Construyendo la ciudad deseada, con la quinta ponencia a cargo de la artista estadounidense Nancy Nowacek, quien además realizará un performance en el Municipio Chacao.

Comenzar a dibujar la ciudad que queremos es el primer paso para construirla. Esta ha sido la propuesta que a lo largo de este año se ha presentado a través del exitoso ciclo CCS Forum 2015: Construyendo la ciudad deseada, creado por Cultura Chacao y Backroom Caracas con el apoyo de la Embajada de Estados Unidos y la Universidad Central de Venezuela.

El foro ha abordado diversas disciplinas que impactan de forma directa nuestra vida cotidiana: educación, nutrición, arquitectura, medio ambiente y sociedad, desde la perspectiva de la sostenibilidad y de la mano de grandes personalidades que compartieron ideas y se llevaron nuevas inquietudes para sus respectivas áreas de trabajo. El arte, como expresión de la cultura, no podía faltar en este ciclo, que cierra con la conferencia  y performance de la artista y educadora Nancy Nowacek.

Además de desarrollar su actividad artística, Nowacek es diseñadora y profesora en la New York University, tiene una maestría en Comunicación Visual de la Virginia Commonwealth University y una maestría en Prácticas Sociales del California College of Art, y está certificada en entrenamiento personal por la National Academy of Sports Medicine.

Su trabajo se enfoca en la ecología del día a día: los procesos, los códigos y los hábitos cotidianos, valiéndose de la escultura, el performance y el dibujo para instar a la acción, devolviendo al cuerpo su relevancia funcional como objeto, herramienta, canal y espacio para la imaginación, en medio de una contemporaneidad en la que ha sido eclipsado por la tecnología.

Herramientas para ideas imposibles es el nombre de la conferencia que dará el jueves 5 de noviembre, a las 11:00 a.m., en el teatro del Centro Cultural Chacao, cuya entrada es gratuita y contará con traducción simultánea.

La obra de Nancy Nowacek ha estado en distintos lugares de Europa y Estados Unidos, y ahora, en el marco de CCS Forum 2015, viene a Caracas para coordinar el proyecto La nave/-SHIP que desarrollará en conjunto con las firmas ADJKM, Central Arquitectura, Enlace Arquitectura y el Arq. Ricardo Sanz, con la participación de artistas y estudiantes de

la Facultad de Arquitectura de la Universidad Central de Venezuela. El objetivo es generar una experiencia para los ciudadanos, a través de un dispositivo que recorrerá diversos lugares del Municipio Chacao el sábado 7 de noviembre, y que busca cambiar las percepciones de los espacios públicos urbanos y la manera en que nos relacionamos con la ciudad.

Para mayor información sobre esta y otras actividades de Cultura Chacao y Backroom Caracas, puede escribir al correo Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.,  visitar las páginas web cultura.chacao.gob.ve, backroomcaracas.com  o seguir las cuentas de Twitter e Instagram @culturachacao y @backroomcaracas, así como las páginas de Facebook culturachacao.org y backroomcaracas.

Acerca de Cultura Chacao

Es una institución reconocida y emblemática en el ámbito de la gerencia cultural municipal en el país, que entiende la cultura como eje en la educación del ser humano. Desarrolla un programa de acciones dirigido a fomentar la construcción de ciudadanía por medio de prácticas de convivencia que generan valores asociados a la creación, el conocimiento, la tradición y las prácticas democráticas.

Acerca de Backroom Caracas

Es un espacio híbrido que produce contenido editorial y curatorial referente al arte contemporáneo. Desde el inicio, se ha definido por funcionar en el área de la pedagogía a través del arte participativo y sostener intercambios con otros países. La amplitud de sus metas obedece a la responsabilidad que tiene con su entorno y el interés en ofrecer experiencias que promuevan la apreciación de la belleza y el pensamiento crítico.

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Una exposición antológica del artista venezolano Rafael Martínez, será inaugurada el domingo 08 de noviembre a las 11 a.m., en la Sala Eladio Alemán Sucre del Edificio El Carabobeño, en Valencia, donde podrá ser visitada hasta el 13 de diciembre.

Rafael Martínez en el tiempo es el título de esta muestra donde se reúnen una serie de obras bidimesionales y tridimensionales realizadas por este creador apureño desde los años setenta hasta nuestros días, a partir de una propuesta plástica inscrita dentro del arte abstracto-geométrico.

Con una amplia y reconocida trayectoria artística de cinco décadas, Rafael Martínez afirma ser un artista geométrico, pero no un geométrico riguroso, porque, como él mismo dice, se permite indagar en la libertad de las formas.

“Indago a partir de formas geométricas, elaborando una estructura cambiante. Tensiono espacios, interrogo ángulos. Me propongo evidenciar lo oculto de la geometría. Ver mas allá de la superficie plana, bien sea tela, metal, madera o cualquier otro soporte. Asomo líneas, haciéndole trampas al maravilloso aparato visual. Construyo, como una posibilidad de confirmarme a mi mismo, de encontrar respuestas, de concretar mi propio espacio interior. Trato de equilibrar, de ordenar, de encontrar a través de esas formas insistentes, un lenguaje”.

Por su parte, el crítico de arte Gabino Matos considera que las de Martínez son esculturas innovadoras que no obedecen a modelos preestablecidos, “sino que cada obra se hace a partir de sí misma, cuando la idea creativa del autor se va revelando ante las posibilidades constructivas y los efectos plásticos del material. Planos pulcramente formulados que se organizan en formas levitantes de sinuosos y elegantes comportamientos. Tal esencialismo curvilíneo define plástica y estéticamente cada obra”

Asimismo, asegura que sus piezas revelan una particular vocación por el orden geométrico y un claro afán por atrapar el espacio, y permiten diversas lecturas sobre la interacción entre forma tangible y espacio intangible, entre equilibrio y asimetría. “Un conjunto de hojas metálicas, impecablemente recortadas y cromatizadas, unidas por estratégicos puntos de soldadura, definen el equilibrio y la levedad a través de una rítmica de delicadas y sinuosas ondulaciones. Esta interacción entre material, equilibrio, ritmo y geometría, en cualquiera de sus variados formatos, constituye la clave de lectura de las obras de Martínez”, indica el crítico.

Además de su experiencia en múltiples exposiciones individuales y colectivas en Venezuela, Colombia, Italia, Francia, Canadá, Suiza, Alemania, India, Dinamarca, Inglaterra, Japón y Estados Unidos, Rafael Martínez ha tenido la oportunidad de gozar de una importante estancia en París, que no sólo le favoreció con la amistad de artistas como Jesús Soto, Carlos Cruz Diez y Julio Le Parc, entre otros, “sino que la lectura cercana de sus obras le motivaron a trascender la bidimensionalidad de lo geométrico para adentrarse en la búsqueda constante de reinventados procedimientos técnicos y variables estéticas de las formas más simples”, según afirma Gabino Matos.

Su trabajo ha sido reconocido con el Premio Arturo Michelena y Premio de Escultura del XXX Salón de Arte “Arturo Michelena”, Valencia; II Premio de Pintura del VIII Salón de Arte del Estado Aragua, Maracay; y Orden Arturo Michelena, Concejo Municipal de Valencia; entre otros; además sus obras se encuentran en diversos espacios abiertos del país, y forman parte de diversas colecciones como la del Banco Mercantil, Caracas; Ateneo de Boconó, Edo. Trujillo; Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá; Galería de Arte Nacional, Caracas; Museo al Aire Libre Andrés Pérez Mujica, Valencia, Edo. Carabobo; Museo de Arte Moderno, Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos; entre otras.

El público podrá aproximarse al trabajo creativo de este creador a través de la exposición antológica Rafael Martínez en el tiempo, que se estará presentando del 8 de noviembre al 13 de diciembre, en la Sala Eladio Alemán Sucre del Edificio El Carabobeño, ubicado en la Av Universidad, Urb La Granja, Edf. El Carabobeño, Valencia. El horario es  de martes a viernes de 8:00 a.m a 12:00 m y de 1:00 a 5:00 p.m, sábados y domingos de 11:00 a.m a 2:00 p.m. La entrada es libre.

Radio ShowTime

En el cine

“Coco” te lleva a conocer el mundo de tus antepasados en Cinex

Después de su éxito internacional, finalmente “Coco” llega a las pantallas de Cinex este viernes 8 de diciembre para que conozcamos la historia de Miguel, un pequeño niño mexicano que creció en una familia de zapateros, los Rivera, para quienes la música está prohibida por creer que hay una maldición en ella.Ahora Miguel guarda en su interior el… Leer más...

TALENTO ST

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Maluma estrena el video de “Corazón” con Ronaldinho como protagonista

El cantante colombiano Maluma estrenó el videoclip de su nuevo éxito “Corazón” el cual se grabó en la ciudad brasileña de San Pablo.

La canción narra la historia de un joven “enamorado” de varias niñas. Como viene sucediendo con el cantante nacido en Medellín, “Corazón” ya es un éxito en YouTube. El video al momento logró más de diez millones de reproducciones.

Uno de los detalles destacados del videoclip es la presencia de Ronaldinho, el retirado astro del fútbol mundial que siempre mostró un fuerte apego a la música, reseñó Infobae.

“Corazón” nació inspirada por la canción en portugués ‘Você Partiu Meu Coração’, de Nego do Borel Anitta y Wesley Safadão, que se ha convertido uno de los hits más grandes del año en Brasil.

https://www.youtube.com/watch?v=GmHrjFIWl6U

 

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