Arte

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   El Jardín Botánico de Nueva York abrirá el 16 de mayo una exposición de la obra de Frida Kahlo (1907-1954), en lo que será la primera muestra del trabajo de la pintora mexicana en esta ciudad durante más de una década.

 "Frida Kahlo: arte, jardín, vida" exhibirá 12 obras originales que resaltan la relación que la artista tenía con la naturaleza en México, reflejada tanto en su jardín y la decoración de su casa, como en su complejo uso de imágenes de plantas en sus pinturas.

 Abierta al público hasta el 1 de noviembre, esta será la primera muestra en enfocarse de manera exclusiva al intenso interés de Kahlo en el mundo de las plantas, e incluirá una recreación tanto del jardín como del estudio que poseía la artista en su casa de la Ciudad de México.

Será curada por la historiadora del arte y especialista en arte mexicano Adriana Zavala, e incluirá programas de lecturas de poesía, conferencias, actividades y experiencias culinarias, a fin divulgar el México de Kahlo.

 Los asistentes también podrán acceder a textos en inglés y español, que ofrecerán contexto cultural e histórico, así como a fotografías del jardín de Kahlo, tal como ella lo mantuvo en vida, y a citas de la artista sobre su relación con las plantas.

 Gregory Long, director y presidente del Jardín Botánico de Nueva York, explicó en un comunicado que la muestra será una oportunidad única para que el público conozca la obra de Kahlo y el ambiente artístico de la pintora, así como para "celebrar la energía y sofisticación de la cultura mexicana".  

"Frida Kahlo es una artista profundamente importante cuyo trabajo refleja la complejidad de la vida de artista y de la época. El Jardín está orgulloso de presentar esta dirigida mirada a la obra de Kahlo, que examina cómo fue influida por la naturaleza", asentó Long.

 Por su parte, la curadora Zavala afirmó que "como embajadora la cultura mexicana" se sentía orgullosa de enriquecer el entendimiento de la conexión de Kahlo no sólo con México sino con el mundo natural en general.

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   Venezuela tendrá participación en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid. La edición 2015 del evento, que se inaugura el día de hoy, reunirá las obras de galerías y artistas nacionales durante cinco días en la capital española.

El programa general de ARCO Madrid incluye a la versión neoyorquina de Henrique Faría. El galerista venezolano llevará piezas de sus compatriotas Emilia Azcárate, Mercedes Elena González y Luis Molina Pantin, además del creador colombiano Luis Roldán. 

La representación local también contará con las piezas de Carlos Cruz-Diez y Jesús Soto. Dos fijos que no podían faltar en el evento europeo. Obras de ambos artistas serán exhibidas por diversos espacios de España, Brasil y Francia. 

ARCO Madrid, que contará con 218 galerías de 29 países, tendrá una sección paralela titulada As tables are shelves. Carmen Araujo Arte forma parte de ese sector en el que libreros, artistas y editores se reunirán para discutir ideas. España se convertirá así en la capital del arte contemporáneo hasta el próximo domingo.

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    Paul Parrella expone en su reciente proyecto individual un estudio desde distintas perspectivas sobre sus obsesiones, haciendo de la naturaleza y el paisaje el vehículo principal de su pintura, reuniendo una muestra de su última década de trabajo artístico bajo el titulo de Analogías sobre la desaparición, que será inaugurada el domingo 01 de marzo, a partir de las 11:00 a.m., en los espacios de la Galería Gsiete, en el Centro de Arte Los Galpones.

30 obras agrupadas en 3 grandes polípticos, una instalación con bocetos y apuntes de taller, junto a un video, representan las 3 principales series de sus creaciones: Anotaciones sobre el agua, Anotaciones sobre la luz, y Anotaciones sobre el cielo. 

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   Parrella nace en Cumaná, 1980, a lo largo de su carrera ha desarrollando una línea de investigación orientada a conceptos como la transitoriedad y la permanencia, como marco reflexivo. Desde la pintura, registra los fenómenos más frágiles en la naturaleza, como la proyección de la luz a través de los árboles, el reflejo de color en el agua y las nubes de paso por la bóveda celeste, este registro le permite establecer un diálogo particular con la urbe y territorio que transita, construyendo metáforas visuales desde una dualidad entre la gestualidad de su pintura y los referentes inmediatos que alimentan su estudio.

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Para la curadora Susana Benko, ésta dualidad nos invita a una reflexión detenida sobre la obra que contemplamos, debido a que ésta pintura de abstracción aparente, proviene del registro de hechos concretos del paisaje.

"Justamente su apariencia abstracta, gestual, espontánea crea este equívoco, pero lo interesante es que en realidad se trata de una obra mesurada e incluso realista con motivaciones específicas. Lo cierto es que toda su pintura, vista en sus tres series –Anotaciones sobre el agua (2005), Anotaciones sobre la luz (2007) y Anotaciones sobre el cielo (2012) – es la constatación de un artista que gusta no sólo observar y representar expresivamente la naturaleza sino de registrar justamente lo cambiante y lo efímero de ella ".

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   Visitas al estanque del Jardín Botánico, colocar la tela en suelo para que se proyecte la luz y las sombras de los árboles,  y registrar la forma de las nubes desde el uso de diversos medios como la fotografía o una ventana de Alberti, son las distintas perspectivas de las que se ha servido el artista para construir sus inquietudes,  sirviéndose del paisaje como excusa.

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   Egresado de Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón (I.U.E.S.A.P.A.R), Parrella ha desarrollado una carrera ininterrumpida de trabajo que le ha permitido la participación en importantes salones de arte, proyectos privados e institucionales, en el ámbito nacional  e internacional. Su obra se encuentra representada en diversas colecciones y se ha expuesto en países como Alemania, China, Estados Unidos, y capitales importantes de Latinoamérica. 

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   A tres años de la presentación conjunta de las individuales Materia Flotante. En el Museo Alejandro Otero, y Anotaciones sobre cielo en la galería Viloria Blanco de Maracaibo, Paul Parrella presentará la muestra Analogías sobre la desaparición, desde el domingo 01 de marzo hasta el 05 de abril en la Galería G Siete del Centro de Arte Los Galpones, ubicado en la Av. Ávila con 8va, transversal de Los Chorros, en horario de martes a sábado, de 10:00 a.m. a 6:00 p.m. y domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada libre.

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   arte  de hoy 

   Escultura, pintura y, ahora, la poesía se conjugan en el trabajo del artista plástico Pedro Barrolleta. De su casa en Puerto Píritu, ha hecho una suerte de museo.

   Apenas tuvo el primer momento de conciencia, Pedro Barrolleta dice que sintió inquietud por reproducir, plasmar y otorgar su propia visión de las formas que lo rodeaban en su natal Clarines.

   Paisajes de la capital del municipio Bruzual del estado Anzoátegui, fueron su primera fuente de inspiración para transitar por el mundo del arte.

   La curiosidad y las ganas de seguir desarrollándose en el ámbito artístico lo llevaron, en su juventud, a cursar estudios en la Escuela de Artes Plásticas Armando Reverón, de Barcelona.

Señala que allí aprendió diferentes técnicas, perfeccionó su conocimiento y confirmó que no había límites para la creación.

“Es importante que un artista muestre su espíritu y su capacidad de ver el mundo de otra manera, el talento para mostrar las cosas con belleza y exaltar lo mejor de las formas imprimiéndoles un toque personal”, indica.

   Aunque durante muchos años se ha desempeñado como carpintero y ebanista, afirma que su vocación, su pasión es difundir y promover el arte que se realiza en la zona oeste del estado.

   En 2006, Barrolleta creó en su casa el “Taller experimental de las Artes” de Puerto Píritu, espacio en el que se combinan sus obras y las de otros creadores de la localidad costera, además de realizarse tertulias y encuentros con la finalidad de crear un discurso común para la promoción del talento artístico en el estado Anzoátegui. En el futuro, aspira a que allí se impartan clases a quienes deseen formarse en distintos lenguajes de las artes.

“La cultura es una forma de vida. Todo transcurre en un solo tiempo en el que la creación es libre. Yo sentía la necesidad de vivir rodeado de ella, por eso transformé mi hogar en una extensión tangible de mi imaginario”.

   Aunque no abandona el lienzo y el acero para dar forma a esculturas de hasta seis metros, la musa le llevó, recientemente, a escribir un libro de poesías, con versos nacidos de la introspección personal, las relaciones humanas y la observación de la naturaleza.

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   Dos estilos distintos de hacer arte estarán juntos para crear un nuevo significado. Esa es la premisa de Oxímoron: plástico y natural, una exposición de esculturas vanguardistas que inaugurará el 28 de febrero en la Galería del Centro de Arte de El Hatillo.

Daniel González y Nora Malavé (bajo el seudónimo de "Norím") presentan una serie de obras que tienen un uso del color intencional pero que se diferencian notablemente en estilos. González está influenciado por el cinetismo / op art y sus piezas son producto del abstraccionismo geométrico y la superposición de formas. Trabaja con acrílicos traslúcidos (plexiglás), dándole al espectador la oportunidad de apreciar la estética del material y el claro efecto o búsqueda de movimiento que hay en cada una de las obras por el uso del color y la línea.

Norím, en contraste, es creadora de arte sustentable. Hay 80% de material reusado en sus obras, que son una suerte de "poemas−objeto" con una intención sensorial que pretende generar emociones. Son abstracciones a partir de elementos figurativos, que se realizan con materiales poco procesados que, aunados a aromas y sonidos, no pretenden que el público entienda sino que simplemente sienta. Por ejemplo, algunos de los títulos de sus obras son: "Y te encontré", "Ají dulce" y "Mis lunas".

Tanto Daniel González como Norím son diseñadores industriales, que han participado en varias exposiciones colectivas a nivel nacional y son directores del Taller de Arte y Diseño Abstraga. Dentro de los trabajos más recientes de González están la pieza Habitad, escultura diseñada para el hall de la entrada del complejo habitacional Loft El Peñón, en Caracas, la IV y V Bienal de Escultura de la Galería de Arte Trazos y la donación de piezas para subastas de arte con la asociación de Damas Peruanas de Venezuela. Norím, en cambio, ha participado en las exposiciones "Emociones Hechas de Arte Sustentable", una individual que presentó en el Ateneo de Coro en 2012 y en las colectivas de la Asociación Venezolana de Artes Plásticos, el Salón de Artes Plásticas de la Cámara de Comercio de Puerto Cabello, entre otros.

Oxímoron cuenta con la asesoría curatorial de Alfredo Correia, y será exhibida desde el sábado 28 de febrero y hasta el sábado 28 de marzo en la Galería del Centro de Arte de El Hatillo, que se encuentra en la Calle Bella Vista de El Hatillo. La entrada es libre.

 arte urbano  

 La visibilización del arte urbano en cada estado del país es el primer objetivo de los encuentros que está convocando el Ministerio del Poder Popular para la Cultura (Mpppc).

 La organización se planteó en ocho categorías. En la Región Estratégica de Desarrollo Integral (Redi) Bolívar, que incluye Delta Amacuro y Amazonas, los encuentros iniciaron a principios de mes con el Movimiento Hip-hop.

“Hemos atendido muchas iniciativas en lo tradicional, pero teníamos una deuda con los jóvenes” manifestó la directora del gabinete estadal del Mpppc, Fanny Astudillo. 

La semana pasada se reunieron en la Sala de Arte Sidor de Puerto Ordaz los movimientos Sonoro (Djs, Vjs, minitequeros, selector) y Arte Corporal (tatuadores, perforadores), respectivamente.

 Está programado que el 21 de febrero se encuentren los involucra con el grafiti, muralismo, diseño, ilustración y productores de bienes culturales, en el Museo de Arte Moderno Jesús Soto de Ciudad Bolívar, a partir de las 9:00 a.m. 

La iniciativa parte del gobierno nacional a través de varias instituciones como el Ministerio de Cultura y de Comunas, que tienen la intención de conocer la cantidad de personas dispuestas a generar políticas para proyectar las artes urbanas y emergentes.

 El registro permitirá hacer una planificación de actividades para los próximos meses. 

Karen Ramírez fue la vocera por la Red Venezolana de Arte Corporal, comentó: “Queremos visibilizar el arte del tatuaje y deje de ser tabú, como todas las artes urbanas se merecen”.

En los próximos meses habrá nuevos encuentros para armar las propuestas culturales urbanas 

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Embajada de Francia en Venezuela y Cultura Chacao

Realizan 1er concurso nacional para diseñadores de moda

Diseñadores de moda profesionales y amateurs o estudiantes, podrán participar en el certamen. Las inscripciones estarán abiertas hasta el 13 de marzo

Un certamen dirigido a diseñadores de moda llevarán a cabo la Embajada de Francia en Venezuela y Cultura Chacao, a través del 1er Concurso de Moda “Pasarela Francia Venezuela” Edición ECOLOCHIC, con el que se invita a creadores a nivel nacional en dos categorías –profesionales y amateurs– La convocatoria está abierta desde el lunes 16 de febrero hasta el 13 de marzo y los aspirantes deben presentar, en esta edición “Ecolochic”, diseños originales inspirados en el tema ecológico y de respeto al medio ambiente, en sintonía con la XXI conferencia sobre cambio climático que se celebrará en París en el mes de diciembre.

La última etapa del concurso consta de un desfile final a efectuarse en el marco de la “Semana de Francia”, el 16 de mayo en la Plaza Los Palos Grandes. En este desfile quince diseñadores preseleccionados mostrarán sus creaciones ante un jurado especializado del mundo de la moda. El ganador de cada categoría, recibirá un boleto a Francia con gastos de estadía por diez días máximo, así como acceso a eventos profesionales ligados a la industria de la moda.

De acuerdo a las bases del certamen, los aspirantes deben proponer diseños de tres trajes inéditos (un traje prêt-à-porter Mujer, un traje prêt-à-porter Hombre o Niño, y un traje alta costura Mujer), ecológicos y compatibles con un mundo urbano moderno, que inviten al uso de materiales no tradicionales y a la reutilización. Los tres trajes deben desarrollarse en el espíritu de una mini colección.

Con esta iniciativa, se invita a los creadores a dar una nueva dirección a la moda, haciéndola más respetuosa de los retos del mañana, más visionaria, una moda que aproveche los materiales existentes, o aquellos propios de su entorno, naturales y abundantes (fibras naturales o sintéticas, metales, papel, plásticos, etc).

Los diseños de los trajes deben ser incluidos dentro del dossier a consignar en físico, en bocetos (bosquejo del color a mano o a computador, así como patrones, indicando los materiales utilizados), junto con los demás recaudos solicitados por los organizadores, los cuales se especifican en las bases del concurso que se encuentran en la página Ambafrance

Cabe destacar que los quince creadores que resulten seleccionados para el desfile final se comprometen a confeccionar sus trajes.

Quienes deseen inscribirse en el 1er Concurso de Moda “Pasarela Francia Venezuela” Edición ECOLOCHIC, deberán estudiar las bases del concurso y llenar la planilla que se encuentra al final de las mismas.

Mayor información puede ser solicitada a: Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.

arte hoy

   Artistas de la Red Venezolana de Arte Corporal de la Región Guayana, que abarca los estados Bolívar y Delta Amacuro, se reunieron este jueves, a la una de la tarde, en la Sala de Arte Sidor de Puerto Ordaz, en Bolívar.

Este encuentro, que reunio a artistas del tatuaje, de la pintura corporal y del piercing, tiene como propósito generar una discusión en torno a la situación actual del arte corporal en la región y así generar propuestas que fortalezcan este oficio.

El primer encuentro de la red se realizó el pasado 2 de febrero en Caracas, donde se reunieron creadores capitalinos y otros provenientes de los estados Miranda, Aragua, Carabobo y Vargas. Los artistas de la región oriental también realizaron un debate el pasado 7 de febrero en el estado Anzoátegui.

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En Francia – París, El espacio ineludible protagoniza la muestra 'El aseo' en el Museo Marmottan de París.

   Tan prosaico como universal, el cuarto de baño inventó la intimidad, arropó los misterios de la higiene femenina y enfrentó al individuo a la tiranía del espejo, un espacio ineludible que desde hoy protagoniza la muestra "El aseo" en el Museo Marmottan de París. 

Entre grabados, lienzos o dibujos, el cerca de un centenar de obras que despliega la pinacoteca parisiense rastrea la presencia del aseo en el arte, un recorrido a través del rol histórico del agua. 

Al menos hasta el siglo XVI, el baño era una fiesta, un suntuoso trajín colectivo que sirvió de pretexto a los artistas del Renacimiento para detenerse en una desnudez femenina hasta entonces proscrita por el yugo medieval. Antes que de higiene -sugiere el Marmottan- se trataba de erotismo. 

Del majestuoso tapiz de Cluny que abre la muestra a los bocetos de Picasso, pasando por Georges de La Tour, Manet o Degas, lo cierto es que el aseo acabó recobrando su valor artístico sin renunciar al tono erótico, una evolución que alude a la construcción del "espacio privado", explica el comisario de la exposición Georges Vigarello. 

"Nuestro objetivo es narrar la generalización de la higiene personal -apunta a Efe-, los gestos que ésta integra y, sobre todo, cómo el baño se asocia progresivamente a lo íntimo y proscribe los voyeurs". 

Para este veterano historiador, la cronología de la higiene íntima empieza mal y ni siquiera es íntima: Pilatos se lavó las manos ante una multitud, aunque más tarde y progresivamente, la Edad Media liquidó las termas romanas. 

Durante el Barroco, además de escasear, el agua era una fuente de desconfianza, un foco de enfermedades y contagios, y de ahí que su representación no cobrase fuerza hasta que el siglo XVIII, iluminado por Sade: había nacido el individualismo. 

"El baño constituía la afirmación de un individuo que necesitaba un tiempo y un espacio para sí mismo, que exigía reivindicarse como tal", reflexiona Vigarello, quien alude a la reveladora presencia del espejo en la construcción de la subjetividad. 

"Sin el aseo, ¿qué sentido tendría la vida entre mediodía y las nueve?", se preguntaba entonces un irónico Rousseau. 

El siglo de las luces consagró la Ilustración y, lo que es más importante, inventó el bidé, símbolo de una higiene íntima que, como demuestran los curiosísimos óleos de François Boucher, "apenas toleraba la presencia de terceros, a excepción de los criados". 

Con la llegada del XIX, el agua llegó a las viviendas mientras la burguesía institucionalizaba lo privado y, a través de la obra de Degas, descubría la bañera como forma de escapar a lo social, de estar solo y, puntúa Vigarello, "encontrarse consigo mismo". 

Era el descubrimiento de la soledad y, en cierto sentido, acuerda el comisario, de la modernidad. 

El baño abrigaba así los secretos de la desnudez, una obsesión ilustrada en la bellísima tela de Eugène Lomont, "Jeune Femme à sa toilette", o una mirada sobre el anonimato de una espalda femenina frente a un aseo vacío. 

Pronto los "ismos" se lanzaron a la conquista de una "verdad íntima" que Toulouse-Lautrec o Manet, por ejemplo, atribuyeron a la mujer ante el lavabo, a todas aquellas mujeres peinándose, estirando una pierna, doblando levemente la nuca. 

"Estaba cambiando la representación del cuerpo, seguramente porque hacía tiempo que la fotografía había suprimido del arte la necesidad de naturalismo", concluye Vigarello, quien señala a modo de ilustración los bocetos a carboncillo de Pablo Picasso. 

Es la historia de una exigencia, resume, de la necesidad de "reservar tiempo para uno mismo". Y de paso, de un gesto universal, el humanísimo ritual de ir al excusado.

ate mexico   

El artista Maxicano se gana al público con su talento

La muestra de Carlos Bazán presenta 13 obras inspiradas en la leyenda del Árbol de Apoala

   La exposición "Moons" (Lunas) del joven artista plástico mexicano Carlos Bazán, que se exhibe en el Centro Cultural Hispano de Artes de Miami, es una mezcla del colorido y la naturaleza con los ancestrales mitos de la región Mixteca de Oaxaca, México.

   La muestra fue inaugurada durante el fin de semana en el Centro Cultural Hispano de las Artes y presenta 13 obras inspiradas en la leyenda del Árbol de Apoala, un mito de los antiguos pueblos mixtecos.

   "La muestra aborda la relación entre el mar y la luna en la cual hay una interacción entre algunos animales como los conejos y la aves con los árboles", explicó el artista de 20 años de edad originario de San Cristóbal Suchixtlahuaca.

   La muestra incluye también la obra "Mordiendo Lunas" , con un tiburón mordiendo una luna en un árbol como parte la interpretación del artista a la creación.

   Pedro Pablo Peña, director del Centro Cultural Hispano de las Artes de Miami, elogió la obra de Bazán durante la inauguración y destacó "la oportunidad de tener a jóvenes talentos con una obra muy dinámica".

   Las 13 pinturas que estarán expuestas hasta el 1 de marzo forman parte de la serie "Mares Lunares" de 80 piezas que el pintor espera ver terminada más adelante y que expondrá sucesivamente en otras partes de México y el exterior durante el año.

   Bazán tuvo buena aceptación en las ferias satelitales de la Feria de Art Basel de diciembre pasado, donde vendió casi todas las obras que llevo  a la  exposición.

Radio ShowTime

En el cine

“Coco” reconquista la taquilla y “50 Sombras Liberadas” llega para calar en el Top 5

Este viernes 9 de febrero Cinex enciende sus pantallas con una nueva programación para que la familia venezolana disfrute del carnaval con las mejores películas, y además en el increíble formato 4DX con su promoción Miti/Miti.Anastasia y Christian regresan este viernes a Cinex con el estreno de “Cincuenta Sombras Liberadas”, la tercera y última… Leer más...

TALENTO ST

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Melendi y Carlos Vives juntos en el videoclip El Arrepentido

El cantante español Melendi y el colombiano Carlos Vives se unieron para la creación del tema musical El Arrepentido, hit que promete convertirse en uno de los sencillos más escuchados del momento y que ha cautivado a todos sus seguidores con el respaldo audiovisual que se encuentra en la plataforma digital de Youtube. 

El videoclip de esta melodía recoge en cada una de sus secuencias, un ambiente latino lleno de colores, festividad y sencillez, que se pueden apreciar en varias tomas en donde se ven a los artistas recorriendo las calles de Pescaíto, un tradicional barrio de Santa Marta, Colombia.

Lo llamativo de esta fusión es escuchar al cantautor español Melendi fusionando su estilo con la música latina, los comentarios y receptividad del sus fanáticos ha sido positiva, viéndose reflejado en más de tres millones de reproducciones a tan solo seis días de su estreno.

https://www.youtube.com/watch?v=AQNj9fMnzDo

 

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