Arte

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Gustavo Silva es un gran artista de Valencia, Venezuela, es famoso por crear pinturas excesivamente realistas de personas nadando. El uso de la luz y su perfecto dominio de sombras, hace que las pinturas se vean increíbles y hablan bien del nivel impresionante de hiperrealismo en sus obras.

AGUA 3Para añadir realismo, posa junto a las pinturas de forma interactiva, haciendo que se vea como si estuviera agarrando a los nadadores o cubriéndose de sus salpicaduras, definitivamente impresionante. 

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El 'Visual Art Week' transformará sedes emblemáticas de la capital mexicana con instalaciones audiovisuales de artistas de todo el mundo.

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El Palacio de Bellas Artes, en el centro de la Ciudad de México, es uno de los puntos más emblemáticos de la capital. Cada día pasan por ahí 160.000 personas. Hasta el domingo 8 de febrero, la explanada del edificio de mármol blanco tendrá algo más que sus jardines. El artista colombiano Daniel Iregui intervendrá el sitio con su pieza Control No Control, dos pantallas que interactúan con las personas que pasan frente a ellas.

La de Iregui es una de las seis piezas que llenarán el espacio público del Distrito Federal durante el Festival Visual Art Week (VAW), que fusiona arte, tecnología y espacio público. Es el primer festival de este tipo que se celebra en el país y Andrés Oddone, subdirector de VAW, espera que no sea el último.

La idea nació porque su director, Pablo Britos, creyó que el DF tenía puntos similares con otras ciudades del mundo y que se podría ocupar la calle con motivos artísticos, además de que “el país genera en los artistas cierto misterio”, cuenta el subdirector.

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Elegir seis sedes emblemáticas en una ciudad de 1.495 kilómetros cuadrados, más del doble de los de Madrid, fue una tarea ardua. “Se barajaron más lugares y más artistas; se terminó eligiendo pensando en la relación entre obras y espacios”, explica Oddone.

Una maceta con LEDS elaborada por Visual System para la glorieta de la palma, sobre el paseo de la Reforma  (la avenida más importante de la ciudad)  la proyección de trabajos audiovisuales de 18 artistas nacionales e internacionales en el Hemiciclo a Juárez; y otras tres instalaciones interactivas en el atrio de San Francisco, la plaza Río de Janeiro y el Museo Jumex son las otras piezas que acompañan a la intervención de la explanada de Bellas Artes.

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Por la naturaleza del festival, la Organización de las Naciones Unidas decidió integrar al VAW como parte de las actividades oficiales por el Año Internacional de la Luz y de las Tecnologías basadas en la Luz, que tiene por uno de sus objetivos “dar a conocer la profunda relación que existe entre la luz, el arte y la cultura, así como fortalecer el papel de las tecnologías ópticas en la preservación del patrimonio cultural”.

El futuro del festival naciente, asesorado por los directivos de Mapping Festival en Suiza, dependerá del impacto que generen los seis días en la Ciudad de México. “Hay muchas ideas, nos gustaría movernos a otras ciudades e intentar producir más obra local y lograr que VAW se transforme en una plataforma de contactos entre artistas”, menciona Daniel Oddone.

Además de las instalaciones, el VAW organiza talleres gratuitos y conferencias con los 23 creadores de las piezas en el en el Centro Cultural de España en México.

La inauguración del corredor de instalaciones será el martes a las 20.00, hora de México, en el Museo Jumex, donde el colectivo Squidsoup, formado por artistas del Reino Unido y Noruega, presentan Submergence, una instalación de 8.000 puntos de luz que los visitantes podrán alterar al introducirse en ella.

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   El proyecto Caracas Dibujarte están a la espera de un espacio público para exhibir la colección de dibujos en miniatura 

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El reto le exigió recolectar tickets del Metro de Caracas en varios puntos de la ciudad. Poco a poco, con la ayuda de una amiga pudo completar el material suficiente (mil boletos) para su proyecto al que bautizó como Caracas Dibujarte.

Gerson López se encaminó hacia una meta particular: contarle a los caraqueños a través de mosaicos miniaturas que su ciudad es bonita, talentosa e inspiradora. Fue así como este comunicador social con dotes artísticos se desprendió de lo convencional para dar paso a una colección de dibujos creativa y ecológica.

Cuando llegó a la capital desde su pueblo natal en San Cristóbal, preñado de cuentos sobre la hostilidad del Valle, pensó en drenar los sinsabores de un andino en una gran metrópoli con pinceladas y líneas sobre hojas en blanco. Con el ejercicio logró conectarse con las fuentes de inspiración de sus nuevos paisanos y, a partir de entonces, manifiesta y siente que las bondades de Caracas tienen el poder de borrar la adversidad.

“Este proyecto surge de la necesidad de conectarme con la ciudad a fin de promover sus espacios públicos, rostros, momentos históricos. La colección busca fortalecer los iconos de Caracas”, cuenta el joven de 29 años.

La recopilación de ilustraciones cuenta con seriados dedicados a una gama amplia de temas vinculados con la urbe y la visión de la cultura venezolana. Espacios públicos, momentos históricos del periodismo, Miss Venezuela, pop art, rostros de personajes emblemáticos, presidentes de Venezuela y reproducciones de las recordadas vallas publicitarias sobre edificios en Plaza Venezuela (Bola Pepsi y taza de café) nutren la obra de López, quien dice que la colección no está a la venta porque espera por un espacio para su exhibición.

Actualmente, Caracas Dibujarte busca financiamiento para el montaje de la obra.  Aunque todavía no haya tocado las puertas de ninguna galería, López y sus colaboradores tratan de hacer algún contacto con la empresa Metro de Caracas para que apoye la iniciativa.

“Queremos que el producto final de ese trabajo repose en algún lugar público donde mucha gente pueda verlo. El proyecto muestra la visión positiva de Caracas y de alguna manera vincula a sus ciudadanos con los hitos que hay en ella. Los mosaicos buscan generar una serie de significados para que la gente entienda como propios los lugares de la ciudad y la historia del país”, sostiene vía telefónica.

Las personas interesadas en seguir de cerca este trabajo pueden buscar las cuentas en redes sociales del proyecto Caracas Dibujarte en Facebook y Twitter como @CcsDibujarte

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   Un grupo de jóvenes impulsa el arte callejero en Ciudad de México, a través de un portal llamado Street Art Chilango (arte callejero chilango). En la colonia Algarín el artista Curiot pintó este mural. Se encuentra en una de las avenidas más transitadas de la zona, en el centro de la capital.

Además de sus decenas de museos tradicionales, Ciudad de México es una galería al aire libre de arte callejero, en la que exponen artistas nacionales y extranjeros. Lo invitamos a un recorrido.

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  Este mural fue realizado en la unidad Iztacalco para honrar a la fotógrafa Martha Cooper, fotógrafa de arte urbano. Es obra de Dr. Befa, Osley y Diego Loza en colaboración con Crew APC.

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   Chilango es el nombre con que se conoce a los habitantes de Ciudad de México. La obra de Librehem se pintó en un mes sobre la pared de una escuela secundaria en Cuajimalpa, al poniente de la capital.

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   Varios artistas extranjeros han dejado su huella en la ciudad. La serpiente que protagoniza este mural se encuentra en el barrio de La Lagunilla, en el centro de la capital. Fue realizado por el artista belga Roa, uno de los más famosos del mundo en arte urbano.

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  En el Foro Cultural Mujam se encuentra este mural de Paola Delfín y el artista francés MTO.

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  Cinco artistas pintaron este muro en diferentes momentos y con técnicas como pintura en acrílico, aerosol y esténcil. Está en el centro histórico y los autores son Ericailcane, Fafi, Spok, Minoz y Meiz.

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  Renat pintó esta obra bajo un puente vehicular afuera de lamentación Velódromo del Metro, en el este de Ciudad de México.

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   Sego y Saner, autores del mural fotografiado aquí, se encuentran entre los mejores exponentes del arte urbano de México. La obra fue pintada para el Museo de Culturas Populares.

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   Para terminar, una muestra de arte callejero más a tono con la estética del grafito, en un mural realizado en la Escuela Nacional de Artes Plásticas por Yoste, Trash y Done.

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   Son 24 trabajos antiguos, que salen por primera vez del taller de esta artista para confrontar con su obra reciente, mostrándonos la admirable continuidad de su trayectoria.

   El Ateneo de Caracas se honra en presentar este domingo 8 de febrero la muestra Memorias, de Ani Villanueva, una selección de trabajos de distintas épocas, que casi por primera vez salen del taller de la artista, para confrontar con su obra reciente, poniendo de manifiesto la coherencia de una las más versátiles trayectorias creativas  del medio venezolano.

   Nacida en Caracas en 1954, Ani Villanueva es nieta de Federico Brandt e hija de Mary Brandt, dos nombres que han señalado caminos en la conformación de un discurso artístico en la plástica  nacional.  “Pertenezco a un mundo de artistas, y en ese mundo es inevitable que busques este camino”, afirma.   

   Esta creadora integral expone por primera vez en 1982, cuando presenta Cuadro móvil, en el marco de Ventanas al tiempo, de Mary Brandt, en la Sala Mendoza.  Desde entonces, más de 30 exposiciones  colectivas y 15 individuales dentro y fuera de nuestro país, dan cuenta de una reconocida obra que conjuga la búsqueda de la libertad pictórica en el plano, con la incursión en otros géneros y medios, como la escultura, el arte corporal, el video-arte y la pintura digital. 

   Su educación artística se inicia en su infancia, bajo la exigente tutela de su madre. Luego cursa estudios de artes visuales en Venezuela, Reino Unido, Hungría y Estados Unidos,  a lo que se suman grados universitarios en Psicología, Sociología y Ciencias Políticas y Gerencia, en Venezuela e Inglaterra. Continúa su formación con el trabajo físico y espiritual en ballet, danza contemporánea, yoga y tai chi, y una preparación en el Tao en la Sorbona de París.

   “Lo espiritual está siempre presente en mi obra. Soy una artista totalmente introspectiva, en el sentido de que no planifico, dejo que las cosas se manifiesten libremente, les permito que  fluyan a través de mí después de un proceso de preparación, de meditación”, expresa.  

   El resultado es la presencia de una energía inusual que imanta estos trabajos que podremos apreciar en la muestra del Ateneo, integrada por 24 piezas que hasta ahora no habían sido exhibidas, correspondientes a diversas etapas en estos 23 años de trayectoria.  De los dibujos de 1990 y 1991, la artista señala que representan “una búsqueda franca al espacio interior,  sin referencias. Un gesto oriundo y sintético en pos del paraíso perdido”.

   Las pinturas, tres en total, son  Homenaje a Yves Klein, “por su tendencia de pintar todo lo expresando de azul, esa monocromía que unifica el discurso”; Remolino de agua, “perteneciente al tiempo de los cuadros orgánicos que intentan reproducir texturas naturales primaria”, y Mañanas “un trabajo reciente que concentra los primeros tonos matinales que aparecen en la aun presente penumbra”. Tres son también las esculturas sutiles, “transparencias que habitan el espacio y abrazan las sombras”.

   Los trabajos actuales están integrados por cuatro ensamblajes, “urdimbres y tejidos fabulados y encapsulados, que sugieren fracciones de todo cuanto existe”, y dos pinturas digitales que representan “hallazgos que sintetizan la búsqueda”. Lo digital, para la artista, es siempre una sorpresa.  “Es algo que no puedo planificar de antemano. Es como un regalo que sucede a través de mí cada vez que empiezo a hacer una pieza en ese formato”.  

   Sobre la muestra, Felipe Márquez, en la presentación del catálogo nos dice que “Ani recrea con gran libertad mundos pretéritos, juegos de luces y tramas de toda índole representando un universo personal, una posibilidad en los espacios intimistas del eterno retorno, una revelación cotidiana y contundente, una confesión tras las horas precisas del amanecer”.  

   La invitación para apreciar el mundo de Ani Villanueva es el domingo 8 de febrero, a partir de las 11 am, en los espacios del Ateneo de Caracas, Av. La Salle, Qta. La Colina, Urb. Colinas de Los Caobos, subida a Venevisión.

Hay estacionamiento, terraza-café y vigilancia privada.

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La instalación escultórica monumental del artista mexicano Rivelino, "Nuestros silencios", que aborda tanto la autocensura individual como la libertad de expresión, podrá ser apreciada a partir del día de hoy en Ruocco Park, ubicado en San Diego, California.

Está integrada por 10 piezas antropomorfas de gran formato, elaboradas en bronce a la cera perdida, con pátina de colores blanco y ocre, con un peso aproximado de una tonelada cada una, refirieron en un comunicado los promotores del artista.

También incluye la Caja táctil, escultura realizada en acero en cuyo interior se muestran cuatro piezas de pequeño formato basadas en las monumentales, creadas especialmente para personas con discapacidad visual, pero que brindan una experiencia lúdica a cualquier espectador.

La instalación, que será inaugurada mañana, llega a Estados Unidos, después de ser presentada en las principales ciudades de Europa y en la Ciudad de México; en su largo itinerario, se calcula que ha sido vista por al menos cinco millones de personas.

Esta intervención toma un significado distinto en cada ciudad, al establecer relaciones contextuales con su arquitectura, su cultura, su sociedad, su historia y su presente.

De igual forma, propicia el diálogo y la reflexión sobre la libertad de expresión y sobre cómo el silencio limita las posibilidades de crecimiento individual y social.

En este lugar, las obras miran hacia el Océano Pacífico desde un área donde también se encuentra la escultura "The Unconditional Surrender" y donde hay una exposición permanente de barcos históricos de la armada estadounidense.

Entre 2009 y 2011, fue montada en sitios de Europa como Lisboa (Plaza de marqués de Pombal), Madrid (Parque de Juan Carlos I), Bruselas (avenida Toison d'Or), Postdam (zona cultural del Lago Havel), Roma (Villa Borghese), Londres (Parlamento), Moscú (Parque de la Cultura Muzeon), San Petesburgo (Parque del Ocio) y en el Zócalo de la Ciudad de México.

De acuerdo con los promotores, "Nuestros silencios" es la primera instalación de arte público monumental presentada por un escultor mexicano en la ciudad de San Diego.

Rivelino, originario de San José de Gracia, Jalisco (1973), es uno de los escultores vivos más coleccionados de México, y en su trayectoria de más de 20 años destaca su profunda investigación en el campo del relieve y sus intervenciones en el espacio público como una forma de generar un diálogo en la sociedad a través de la escultura.

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El arte urbano o callejero es cualquier tipo de expresión artística, frecuentemente ilegal, que engloba desde el graffiti al estarcido, pasando por las plantillas, pósters, pegatinas o murales. Tiene como finalidad sorprender al espectador, en lugares bastante transitados, con un llamativo mensaje subversivo que critica y satiriza a la sociedad, invitando con ello a la lucha social, la crítica política o, simplemente, a la reflexión.

Charles Leval, más conocido como Levalet, es un artista callejero parisino que, utilizando únicamente papel y tinta, es capaz de recrear auténticas escenas dotadas de realismo, alrededor de objetos cotidianos que dan sentido a sus dibujos. Aquí están algunas imágenes de este excelente arte:

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   Luego de un viaje por el campo, el parabrisas y las otras lunas de un auto quedan sucias, con polvo y hasta con barro. Lo primero que quieren hacer los dueños es lavar el vehículo para que se vea bien; sin embargo, Scott Wade ve en ellos el lienzo perfecto para recrear obras de arte, escenas de famosas películas o lo que le dicte su creatividad, como muestra en su cuenta de Facebook.

“Vivir un largo camino de tierra por 20 años ha hecho que Scott desarrolle un método para crear piezas de arte detalladas en el polvo de las ventanas de los autos sucios. Desde una afición después del trabajo, el ‘Arte en Autos Sucios’ se volvió una forma de vida, con oportunidades para compartir este trabajo en medios internacionales, ferias y festivales, cooperar en eventos y campañas publicitarias en todo el mundo”.

Sin lugar a duda para ser un gran artista solo se nenecita creatividad y motivación… aquí están algunas imágenes de este hermoso arte que Scott Wade realiza. 

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 “Escrituras vegetales”, es el nombre de  la  veintena  de pinturas y lienzos de mediano y gran formato, en técnicas  mixtas y de obras en soporte  de papel reciclado, que integran la primera exposición individual en Venezuela, del artista visual argentino, Ezequiel Barakat,  que estará abierta al público,  a partir del sábado 31  de enero, a las cuatro de la tarde, en la Galería de Arte del Centro de arte  de El Hatillo, ubicada en la Calle Bella Vista, El Hatillo.

  El artista argentino, Ezequiel Barakat, nos brinda la oportunidad de conocer su expresiva manifestación artística, su percepción visual, en la cual crea y recrea mundos naturales, mediante elementos materiales y diversas técnicas que le permiten mostrar sus sentimientos, emociones y percepciones del mundo que lo rodea...

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 Ezequiel Barakat, un artista inquieto, curioso y sensible, atento a su entorno,  se define como un buscador de imágenes y sensaciones que luego  plasma  en una tela o  soporte a través de un lenguaje  abstracto.

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   La capacidad artística de  Ezequiel Barakat  es vasta y amplia, indaga en los símbolos de la naturaleza y acuña la terrenalidad,  al tratar de  deshacer los signos  e interpretarlos, porque el origen de la naturaleza está  en comunión con los materiales que provienen de ella.    

  Titula  algunas  de sus obras como “marcas”, “señales”, “signos”, “simientes” y “semillas”, en virtud de un meticuloso  reconocimiento visual de la naturaleza, para reinventarla a través del color,  la forma y la textura de elementos como el papel que se compone de fibras vegetales, una materia inerte a primera vista, pero abierta a la experimentación. 

  La “vivencia del gozo” del clima y flora de Venezuela, le brindaron la oportunidad  de captar y asimilar espiritualmente las visiones, convertidas luego en imágenes para la creación  de  los papeles y lienzos llamados “Escrituras Vegetales”, razón de ser  del trabajo artístico de Barakat. 

  La argentina, Luciana García Belbey, profesora  e investigadora de arte,  en el texto de presentación  de  “Escrituras Vegetales”  dice  que  “el lenguaje  visual de esta muestra parece reforzar el lenguaje propio de la naturaleza, oscilando entre una abstracción lírica, expresiva y orgánica, y otra más rígida, geométrica y estructurada.” 

Un artista visual  como  Ezequiel Barakat  a  quien su imaginación y creatividad le permiten plasmar en sus obras las ilimitadas formas y el potencial que la naturaleza  oculta a nuestros ojos,  tal  como  ocurre  en  sus “Escrituras Vegetales”.

Los invitamos a conocer las “Escrituras Vegetales” en la primera exposición individual en Venezuela presentado por este gran artista, que  marca el inicio del programa de exhibiciones  2015 de la Galería de  Arte del Centro de Arte El Hatillo,  ubicado en la Calle Bella Vista, El Hatillo, este sábado 31 de enero, a las 4:00pm. 

Germinal

  

Bienal

En manos de los arquitectos venezolanos Marcos Cornelio, Adolfo Otero, Carlos Castillo, Bárbara Sáman, y Karina Domínguez; integrantes del colectivo Pico Estudio, está la responsabilidad de participar en la premiación de la XII Bienal de arte de la Habana 2015 que se realizará en la isla cubana desde el 22 de mayo al 22 de julio.

Morela jurado, directora del instituto de la imagen, el espacio y artes expresó que “las obras que participan son trabajos extraordinarios, he conocido sus trabajos a nivel mundial, el trabajo plástico del colectivo Pico Estudio, representa dos generaciones distintas, dos propuestas que encajan precisamente en la voluntad de forma de que ningún trabajo creativo se pueda hacer sin la comunidad, ni de manera individual, porque estamos en un proceso revolucionario donde lo más importante es el trabajo de la comuna”.

Por su parte, Marcos Cornelio, arquitecto del Proyecto Espacio de Paz, manifestó que “la idea siempre es que la gente se haga su proyecto, se lo planifique, se lo diseñe, y se lo cuestione, porque esa es la única forma de hacer una arquitectura que sea coherente con el sitio donde se está implantando como un espacio de paz”.

Durante el desarrollo de esta Bienal se tiene como premisa destacar el valor del trabajo comunitario expresado en prácticas artísticas del imaginario social.

Radio ShowTime

En el cine

“Coco” reconquista la taquilla y “50 Sombras Liberadas” llega para calar en el Top 5

Este viernes 9 de febrero Cinex enciende sus pantallas con una nueva programación para que la familia venezolana disfrute del carnaval con las mejores películas, y además en el increíble formato 4DX con su promoción Miti/Miti.Anastasia y Christian regresan este viernes a Cinex con el estreno de “Cincuenta Sombras Liberadas”, la tercera y última… Leer más...

TALENTO ST

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Melendi y Carlos Vives juntos en el videoclip El Arrepentido

El cantante español Melendi y el colombiano Carlos Vives se unieron para la creación del tema musical El Arrepentido, hit que promete convertirse en uno de los sencillos más escuchados del momento y que ha cautivado a todos sus seguidores con el respaldo audiovisual que se encuentra en la plataforma digital de Youtube. 

El videoclip de esta melodía recoge en cada una de sus secuencias, un ambiente latino lleno de colores, festividad y sencillez, que se pueden apreciar en varias tomas en donde se ven a los artistas recorriendo las calles de Pescaíto, un tradicional barrio de Santa Marta, Colombia.

Lo llamativo de esta fusión es escuchar al cantautor español Melendi fusionando su estilo con la música latina, los comentarios y receptividad del sus fanáticos ha sido positiva, viéndose reflejado en más de tres millones de reproducciones a tan solo seis días de su estreno.

https://www.youtube.com/watch?v=AQNj9fMnzDo

 

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