Arte

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La mayoría de las personas usan el maquillaje para verse bien, pero el artista estadounidense Shannon Holt utiliza la pintura para convertir a las personas en lienzos y pintar animales hermosos y elegantes.

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Shannon Holt es una artista que luego de haber experimentado con la pintura en lienzo, madera, papel y metal, encontró en la piel humana el medio perfecto para dar rienda suelta a su creatividad.

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Holt  se especializa en arte corporal, aplicando técnicas de Body Paint a sus modelos para transformar sus cuerpos en detallados y fascinantes animales.

El body paint es una decoración piotórica aplicada a la piel y se considera una de las primeras formas de expresión plástica.

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 El artista venezolano Milton Becerra exhibe tres muestras de su obra en Miami

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Milton Becerra  ha consolidado una destacada presencia artística en Miami a través importantes muestras individuales que fueron parte del circuito de Art Basel Miami y que estarán exhibiéndose durante  el primer semestre de 2015. Collaborative Art Projects reúne fotografías de los años 70 en ArtMedia Gallery mientras que en la Galería Art Nouveau se presenta la muestra Wale’ Kerü Líneas de Luz,  texto de la critico colombiana Adriana Herrera Téllez quien  tiene  en esa ciudad un espacio alternativo para el arte contemporáneo, con la Fundación Aluna donde precisamente en su sede tiene  una exposición colectiva titulada Affective arquitectura donde presenta 3 fotografías de Milton,  de su serie Análisis de un proceso en el tiempo.

Wale’ Kerü Líneas de Luz esta conformada por 11 esculturas tridimensionales en variados formatos, partiendo de hilos tejidas que se superponen a elementos junto al uso del color,  además de una gran  instalación mural titulada  “Sacro Catino”, de 7 metros de largo por 3 de alto realizada con un gran cuarzo rosado, en la que se dibuja un hexágono con fibras de nylon de colores que lo sujeta. 

Herrera Téllez define el aporte artístico de Milton Becerra como un ”viajero del tiempo y de vastos territorios,  que entreteje en su arte formas provenientes de fuentes espacio-temporales que --siendo tan diversas como distantes-- convergen en una misma revelación: reflejan el prodigioso entramado del universo. Así, acerca el pasado de América a los descubrimientos de las teorías de la física cuántica; y los mitos y las primeras herramientas de la prehistoria, a las esculturas del arte geométrico abstracto contemporáneo”. 

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Igualmente comenta en el texto que acompaña la muestra, que fue en Paris, donde Becerra por primera vez mostró su conjunción de “rocas y cuerdas en una instalación que dispuso a la entrada de la XI Bienal de París, como una invocación a la naturaleza, la fuente primordial de donde también provienen nidos y laberintos en su obra, siempre tensados o estructurados con hilo”.

La segunda muestra expositiva bajo el título de Collaborative Art Projects,reúne los registros fotográficos que hizo Milton de las propuestas de arte efímero que realzaron en los setenta, época decisiva para el desarrollo del arte contemporáneo en nuestro país, los artistas venezolanos Milton Becerra, Claudio Perna y Luís Villamizar y que hasta finales de febrero se presentara en ArtMedia Gallery, un espacio para el arte con interés en la fotografía, el video y los medios tecnológicos, bajo la curaduria del cubano venezolano  José Antonio Navarrete.

  Con más de cuatro décadas de trayectoria artística, Milton Becerra es uno de los artistas venezolanos de mayor proyección internacional. Radicado en París desde 1980, su obra ha sido exhibida en numerosas exposiciones en galerías, salas y museos de Venezuela, Alemania, Francia, Costa Rica, México, Bélgica, Italia, Canadá, Brasil, República Dominicana, Estados Unidos, España Taiwán, entre otros países. Asimismo, ha recibido importantes distinciones nacionales e internacionales, y forma parte de colecciones públicas y privadas en nuestro país, así como en otras latitudes. Sus esculturas monumentales han sido emplazadas en numerosos lugares, tales como el Castillo de Nointel, Francia, la Colección Klinkvertwartung, Alemania, y el Parque Ibirapuera, en Sao Paulo.

 Las muestras  se estarán presentando hasta finales de febrero en Miami, donde el artista permanecerá  para participar en la Feria Art Wynwood con la galería Art Nouveau.

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Murales de famosos artistas decoran las calles antes abandonadas.

Roma asiste al nacimiento de un arte urbano que se plasma sobre fachadas de edificios okupados y centros sociales y que, de la mano de artistas internacionales, ha llenado de color y revitalizado el popular e industrial barrio de Ostiense.

En los cuatro kilómetros cuadrados que conforman la zona se extiende más de una veintena de murales de famosos artistas urbanos de todo el mundo que han convertido las tradicionalmente calles grises de esta zona obrera en un museo al aire libre que los vecinos ven con orgullo. Pinturas todas ellas que reflejan elementos relacionados con el barrio, con temas de música o de personajes históricos que comparten muros con detalles de la naturaleza y otras obras más reivindicativas.

El italiano Blu firma el más llamativo y famoso de los murales, "Volti sul Fronte del Porto" ("Rostros sobre los Muros del Puerto", en español"), sobre un edificio de tres pisos completamente pintado, decorado con caras formadas por plátanos, hojas de árboles o culebras y que es una reivindicación del derecho a la vivienda.

El experto en Conservación de Bienes Culturales Claudio Santoro explicó que la curiosidad del barrio de Ostiense es que ha sido históricamente una "zona alternativa" que se mantiene en "evolución constante" y que actualmente ha pasado a convertirse en una referencia internacional por sus murales. Nacido a inicios de 1900, "siempre ha sido un barrio popular", describió Santoro, aunque combinaba su función como centro industrial de la capital -instalaciones, fábricas, talleres y un gasómetro-, con un ambiente alternativo y homosexual.

Como relató, en la década de los 90 era "la zona homosexual de Roma", que también ha sido escenario cinematográfico de la película "Le fate ignoranti" (2001) del director Ferzan Özpetek, enmarcada en este barrio y basada en el ambiente gai de la capital italiana. Sin embargo, "el arte urbano en Roma es una cosa moderna, de hace menos de cinco años, muy reciente", decía el experto, quien comentó que "muchos de los edificios pintados comenzaron como lugares okupados y como centros sociales".

Se ganaron la aceptación de los vecinos, que han visto cómo una zona degradada e industrial se ha teñido de color, cómo los mercados, talleres y garajes han pasado a estar adornados por imágenes que jóvenes artistas de todo el mundo quieren pintar en Roma. Y es que, según destacó Santoro, "los pintores de los murales de Ostiense son artistas internacionales famosos", entre los que hay dos españoles: Sam3, de Elche (Alicante), y Borondo, de Valladolid. Sam3 aseguró que "a Roma siempre le gustó parecer más joven de lo que es", un anhelo que se acentúa en este barrio, donde el arte urbano "se ha convertido en una tendencia que es casi una moda".

Destacó el acierto de llenar de arte las zonas periféricas porque así "se amplían realidades sociales muy complejas con unas simples actuaciones -las pinturas murales- que no dejan de ser monumentos efímeros low cost". Sam3 es uno de los muchos artistas urbanos que han hecho que Ostiense se haya erigido como museo alternativo que atrae a decenas de turistas y curiosos.

A ellos informa Silvia Scire, especialista en el barrio de la asociación cultural Amaita, quien destacó que las pinturas suponen "una revalorización de un barrio que quedó degradado tras la Segunda Guerra Mundial" y que va más allá de una manifestación artística. En realidad, tras ser un centro económico importante en los años treinta y decaer en la década de los cincuenta, los murales continúan una puesta en valor que llegó a Ostiense a finales del siglo XX con la inauguración de la Universidad Roma Tre.

Muchos de los asistentes a sus paseos son, singularmente, residentes del barrio, que "se muestran orgullosos de vivir en un lugar que la gente quiere conocer" y buscan profundizar en su historia. Una historia que en los años treinta vio cómo la estación ferroviaria de Ostiense recibía a Hitler en su visita a Roma, a quien la capital italiana quería impresionar con la modernidad de esta zona después degradada pero que fue símbolo de desarrollo y que ahora despierta gracias a la Universidad y al arte urbano.

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Arte Zarogoza

En los últimos años, la ciudad de Zaragoza España, ha pasado a ser uno de los máximos referentes a nivel internacional en el terreno del arte urbano, especialmente en los murales, ya que cuenta con 65 piezas de este tipo de arte a lo largo de sus calles, uno de los mayores promedios en Europa.

Tanto es el renombre que ha conseguido la capital aragonesa que es la única ciudad española y de las pocas del mundo -junto a Miami, la polaca Lodz y las griegas Atenas e Ioannina- que ha colocado hasta dos de sus últimos murales en la lista que elabora la web "Isupportstreetart" con las mejores intervenciones de 2014.

Mucho le debe Zaragoza por este nuevo posicionamiento mundial a su festival Asalto, que nace en 2005 a raíz de otro festival de arte contemporáneo para destinar un pequeño espacio para los talentosos grafiteros locales y, de ahí, pasó a conformar un proyecto individual con el objetivo no solo de poner en valor la creación artística a pie de calle, sino la integración del arte en el propio espacio público.

Ahora ya se ha convertido en el evento de este tipo más longevo en España y en uno de los más importantes de Europa, conocido por todos los artistas "desde Moscú a Nueva York", comenta Alfredo Martínez, responsable de prensa del festival.

También  anuncia "alguna que otra sorpresa" para la próxima edición, prevista para septiembre, en la que celebrará su décimo aniversario.

Las dos obras en cuestión colocadas en la lista de los mejores murales del año pasado están situadas en el barrio de San José y están firmadas por los artistas iNO, de Grecia, y Dulk, de España.

En la primera se puede ver a un hombre junto a un águila a gran tamaño en blanco y negro, mientras que en el mural de Dulk predomina el color con diversos personajes entre el surrealismo y el pop art que le dan al mural un carácter onírico y cariñoso.

No hay ningún tipo de hilo conductor en toda la serie de obras que inundan el casco histórico y varios barrios de la ciudad, más allá de que todas ellas hayan logrado "romper el día a día" de una Zaragoza que no deja de transformarse y que en muchos casos hayan contribuido a la recuperación de espacios para los vecinos.

La llegada del "street art" a estos espacios, a menudo solares abandonados o que arrastraban una importante degradación, ha provocado en primer lugar la limpieza de los mismos y luego ha dado pie a las diversas asociaciones de vecinos para recuperarlos para las personas, además de lo que supone la extensión de la cultura y el arte mucho más allá del centro de la ciudad.

De hecho, Martínez asegura que en algunos casos han sido las propias asociaciones de los barrios las que se han puesto en contacto con el Festival Asalto para que las intervenciones llegaran hasta allí.

En un principio, como afirma su responsable de prensa, el Festival Asalto comenzó con intervenciones artísticas a más pequeña escala, más modestas, pero conforme fue alcanzando una mayor popularidad fue decantándose por obras cada vez más grandes e impactantes y el resultado final bien puede verse en estos dos murales de iNO y Dulk.

Pero antes de eso varias calles del corazón del centro histórico de Zaragoza, como Santiago o Las Armas, se han llenado de multitud de murales de una temática de lo más variada, aunque mayoritariamente con predominio del color y, en algunos casos, llegando a abarcar edificios enteros.
Unas intervenciones artísticas que continúan lavándole la cara a una parte de la capital aragonesa y que ya se empiezan a utilizar como reclamo turístico, si bien Alfredo Martínez reconoce que aún hay "tareas pendientes" en este aspecto.
Sin embargo, ya se realizan visitas guiadas por todos estos murales durante varios meses al año y las oficinas de turismo ya cuentan con planos donde aparecen la mayor parte de estas modernas obras de arte.

En los últimos años, la ciudad de Zaragoza España, ha pasado a ser uno de los máximos referentes a nivel internacional en el terreno del arte urbano, especialmente en los murales, ya que cuenta con 65 piezas de este tipo de arte a lo largo de sus calles, uno de los mayores promedios en Europa.

Tanto es el renombre que ha conseguido la capital aragonesa que es la única ciudad española y de las pocas del mundo -junto a Miami, la polaca Lodz y las griegas Atenas e Ioannina- que ha colocado hasta dos de sus últimos murales en la lista que elabora la web "Isupportstreetart" con las mejores intervenciones de 2014.

Mucho le debe Zaragoza por este nuevo posicionamiento mundial a su festival Asalto, que nace en 2005 a raíz de otro festival de arte contemporáneo para destinar un pequeño espacio para los talentosos grafiteros locales y, de ahí, pasó a conformar un proyecto individual con el objetivo no solo de poner en valor la creación artística a pie de calle, sino la integración del arte en el propio espacio público.

Ahora ya se ha convertido en el evento de este tipo más longevo en España y en uno de los más importantes de Europa, conocido por todos los artistas "desde Moscú a Nueva York", comenta Alfredo Martínez, responsable de prensa del festival.

También  anuncia "alguna que otra sorpresa" para la próxima edición, prevista para septiembre, en la que celebrará su décimo aniversario.

Las dos obras en cuestión colocadas en la lista de los mejores murales del año pasado están situadas en el barrio de San José y están firmadas por los artistas iNO, de Grecia, y Dulk, de España.

En la primera se puede ver a un hombre junto a un águila a gran tamaño en blanco y negro, mientras que en el mural de Dulk predomina el color con diversos personajes entre el surrealismo y el pop art que le dan al mural un carácter onírico y cariñoso.

No hay ningún tipo de hilo conductor en toda la serie de obras que inundan el casco histórico y varios barrios de la ciudad, más allá de que todas ellas hayan logrado "romper el día a día" de una Zaragoza que no deja de transformarse y que en muchos casos hayan contribuido a la recuperación de espacios para los vecinos.

La llegada del "street art" a estos espacios, a menudo solares abandonados o que arrastraban una importante degradación, ha provocado en primer lugar la limpieza de los mismos y luego ha dado pie a las diversas asociaciones de vecinos para recuperarlos para las personas, además de lo que supone la extensión de la cultura y el arte mucho más allá del centro de la ciudad.

De hecho, Martínez asegura que en algunos casos han sido las propias asociaciones de los barrios las que se han puesto en contacto con el Festival Asalto para que las intervenciones llegaran hasta allí.

En un principio, como afirma su responsable de prensa, el Festival Asalto comenzó con intervenciones artísticas a más pequeña escala, más modestas, pero conforme fue alcanzando una mayor popularidad fue decantándose por obras cada vez más grandes e impactantes y el resultado final bien puede verse en estos dos murales de iNO y Dulk.

Pero antes de eso varias calles del corazón del centro histórico de Zaragoza, como Santiago o Las Armas, se han llenado de multitud de murales de una temática de lo más variada, aunque mayoritariamente con predominio del color y, en algunos casos, llegando a abarcar edificios enteros.
Unas intervenciones artísticas que continúan lavándole la cara a una parte de la capital aragonesa y que ya se empiezan a utilizar como reclamo turístico, si bien Alfredo Martínez reconoce que aún hay "tareas pendientes" en este aspecto.
Sin embargo, ya se realizan visitas guiadas por todos estos murales durante varios meses al año y las oficinas de turismo ya cuentan con planos donde aparecen la mayor parte de estas modernas obras de arte.

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El próximo domingo 16 de octubre a las 11:00am, Azularte Galería estará inaugurando la exposición “Gallera Cromática”, de los artistas Alberto Sierra y Omaira Gutiérrez, con la que celeberarán los 18 años de éste espacio y los 26 años de trayectoria en El Hatillo (sumados los 8 años de El Morrocoy Azul) de esta propuesta, impulsando el arte venezolano.

La galería reunió en una sola muestra los dos trabajos plásticos más significativos en el país, en el tema de los gallos tallados o calados en la madera con policromía, por sus elevadas concepciones estéticas y su admirable ejecución técnica.

El trabajo de Alberto Sierra es realizado en talla en madera con un toque de rusticidad que emula el primitivismo en su acabado, lo que le confiere a la pieza ese carácter que la caracteriza. A ello se suma el puntillismo con el que minuciosamente va otorgándole al ave una especie de bordado pictórico que le otorga esa mirada contemporánea que hace única y totalmente identificable su obra. Un hermoso trabajo plástico que requiere tiempo y dedicación.

La obra de Omaira Gutiérrez es impecable, preciosista en sus detalles de acabado sobre el gallo que ha sido calado en madera. Son aves estilizadas con plumajes elegantes y finamente decorados con cierto aire vintage por los diseños delicadamente pintados en series geométricas. No hay ningún temor al color y sus contrastes ya que la artista lo domina con maestría. Un delicado y elaborado trabajo que sublima la figura.

La exposición clausura el día 6 de noviembre.

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Jesús Soto fue un excelente artista contemporáneo, trabajo en obras  ligado al cinetismo. Uno de sus mayores aportes fue la obra “Los Penetrables”, por medio de los cuales logró integrar al hombre a la obra de arte y redujo la distancia entre el arte y la vida.

Uno de los iconos de la ciudad, creado por este artista lleva  como título "Esfera Caracas", diseñada en diciembre de 1996 bajo el patrocinio del plan "Un cariño para mi ciudad". En la placa original se indicaba que la imponente pieza se erigió, "por la iniciativa y empeño de la Primera Dama Alicia Pietri de Caldera, para mejorar espacios públicos de la ciudadanía".

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Arte abstracto en el espacio de Objetos DAC,  a partir del 27 de febrero.

En sus acrílicos,  la artista se enfoca en el proceso. Éste adquiere un significado más allá del aspecto técnico,  permitiéndole abstraerse de la cotidianidad, evadirse, meditar. Lugares anónimos y contemplativos emergen de su obra.

A partir del próximo sábado 27 de febrero, en el espacio de Objetos DAC,  la artista plástica venezolana,  Mey Saldivia, expondrá su serie de pinturas abstractas, titulada,  “MEDITATIVA”, las cuales,  trascienden la realidad y se remiten a lo más esencial del arte: el color y la línea.

En sus obras,  la artista se enfoca en el proceso. Éste adquiere un significado más allá del aspecto técnico,  permitiéndole abstraerse de la cotidianidad, evadirse, meditar. Lugares anónimos y contemplativos emergen de su trabajo. La pintura se desarrolló en paralelo junto al diseño, la ilustración y la docencia, siendo estos últimos años, cuando le dedica exclusividad y se deja atrapar irreversiblemente, por el abstraccionismo.

“Mi arte es un proceso sin pre-concepción, intuitivo y sorpresivo. No hago bocetos, no escojo colores previamente. No sé cuál será el resultado, pues no paró hasta que estoy satisfecha, usualmente son muchas capas, unas sobre otras de manchas, líneas, blancos, todo surge espontáneamente, colores, texturas y transparencias se van incorporando unos cubriendo otros. En el proceso,  la composición va cambiando, se va ajustando hasta que alcanza su balance”, explica la artista.

Si bien los acrílicos son predominantes, también utiliza creyón, lápiz y marcador, siendo su técnica mixta.

Mey Saldivia,  estudia Commercial Art en Massachussets y diseño gráfico en el Instituto de Diseño de la Fundación Neumann, donde fue alumna de Luisa Richter, Ina Bainova y Patricia Van Dalen, entre otros. Trabajó como diseñadora gráfica free lance, para luego dedicarse a la ilustración.

“Yo nací con un lápiz en la mano. Dibujaba todo. Nunca deje de dibujar y pintar, pero no fue sino hasta que decidí explorar el mundo del abstraccionismo, que el arte me atrapo total e irreversiblemente.

La muestra de aproximadamente, 22 piezas de la pintora, se presentará en el espacio de Objetos DAC,  en Paseo Las Mercedes y se inaugura el sábado 27 de febrero a las 4.30 p.m. Se trata de un espacio dedicado al diseño, el arte y complementos 100 por ciento venezolanos, donde ya han expuesto artistas como Jhony Fung, Dalia Ferreira, Alirio Infante, Eriberto Malfesi, Patricia Kochi,  Jeanette Moretti, Andreína Acedo y Pedro Quintero, entre otros reconocidos artistas venezolanos. Estará disponible para ser apreciada por el público hasta el mes de mayo. 

https://www.instagram.com/meysaldivia/
Facebook: Mey Saldivia - Arte
Twitter: @meysaldivia
Instagram: @objetosdac

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El domingo 31 de enero en el Secadero No. 2 de la Hacienda La Trinidad, se llevará a cabo la inauguración de la exposición Marx Palimpsesto de la artista venezolana Deborah Castillo. El mismo es un performance-instalación donde Castillo reflexiona sobre las utopías ideológicas y la vocación política del arte, desde y a partir del Manifiesto comunista. La acción consiste en presentar el manifiesto marxista deshilachado en citas y frases escritas en las paredes de la galería, palabras que se materializan gráficamente y se extienden espacialmente. En este performance-instalación diversas palabras de las frases del texto son borradas por la artista, utilizando para ello una “goma de borrar” gigante que es la reproducción del busto del propio Marx. A partir de esta borradura se propone una nueva interpretación del discurso, contrario a la doctrina original, creando así una multiplicidad de lecturas interpretativas que van desde los ámbitos puramente filosóficos hasta el cuestionamiento de las relaciones entre discurso y cuerpo, entre idea y realidad cotidiana. Deborah Castillo vive y trabaja entre New York y Caracas. Realizó estudios de Artes visuales en la Escuela Superior de Artes Plásticas Armando Reverón (Caracas). Asimismo, ha participado en programas de residencias artísticas en TheBanff Center (Alberta, Canadá, 2015), en el Atlantic Center ForTheArts (Florida, 2014) y en el London Print Studio (Londres, 2007), entre otras. “Marx Palimpsesto” de Deborah Castillo Del 31 de enero al 6 de marzo. De martes a sábado de 10:00 am a 5:00 pm, y domingos de 11:00 am a 4:00 pm.

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Con dos grandes instalaciones y 8 piezas en pequeño formato participará el artista venezolano Luis Millé en la exposición “Art Construit Latino-Américain, nouvelles propositions”, que será inaugurada este jueves 17 de diciembre en la Galería Denise René, en París (Francia).

La muestra reúne el trabajo de tres artistas venezolanos y dos argentinos (Luis Mille, Gisseline Amiuny, Karina Peisajovich, Inés Silva y Ventoso), “cuyas carreras se han desarrollado esencialmente en América Latina, que comparten el interés común  por la problemática de la implantación de los volúmenes, los conceptos visuales y los medios gráficos geométricos, llevados por el juego del poder emocional del color, dando respuestas estéticas radicalmente diferentes” según se expresa en un comunicado de prensa de la galería.

En tal sentido, Luis Millé presentará en esta exhibición dos instalaciones grandes de sus tensometrías y 8 tensometrías pequeñas. Según explica el propio artista, “el trabajo de las tensometrías está concebido dentro de la abstracción geométrica y como una investigación fenomenológica del espacio y no dentro de él”. A su juicio, la escultura es una situación tridimensional y no una volumetría dentro del espacio, “y es por ello que al ser una situación, es cambiante y se hace a sí misma, con sus diferentes relatividades del espacio-tiempo”.


Al referirse a la obra de Millé, el curador e investigador en artes visuales, Freddy Carreño, afirma que se trata de una propuesta conceptualmente desprendida de la idea del volumen tradicional, que se reformula para dar sentido a nuevas formas, modeladas a partir de una sumatoria de planos que interactúan entre sí de diversas maneras para proponer al espectador nuevas percepciones del espacio.

“Las realizaciones sujetas al plano se alejan del soporte en busca de la tridimensionalidad, se fragmentan, se desdoblan para crear una dinámica que estimula la movilidad del espectador; los volúmenes intensifican esa intención en la medida en que sus componentes se desprenden del ‘cuerpo de la obra’, para propiciar el contraste con los vacíos y estimular así los procesos perceptivos”.

En relación a las instalaciones de Millé, Carreño indica que se configuran a partir de una multiplicidad de pequeños planos dispuestos en posiciones y orientaciones distintas, guiados por frágiles y elásticas líneas que orientan al espectador en el recorrido interior y la observación desde “el afuera” de la obra.

Nacido en Caracas en 1967, Luis Millé ha desarrollado una fructífera carrera artística a lo largo de dos décadas, durante las cuales ha exhibido su obra en Venezuela y otros países como Japón, Corea, Panamá, Colombia, Hungría y Francia. Igualmente ha participado en el Salon Comparaisons, Espace Auteauil (Paris, Francia), XII Feria Internacional de Arte de Bogotá, ARTBO (Colombia), Bienal Internacional de Escultura de Toyamura (Japón), entre otras importantes exhibiciones internacionales.

En 2009 recibió una Mención Honorífica en la X Bienal Nacional de Escultura Francisco Narváez, Museo Nacional para la Escultura Francisco Narváez (Edo. Nueva Esparta, Venezuela), y en mayo de 2015 la Asociación Venezolana de Artistas Plásticos, AVAP, le otorgó el Premio Armando Reverón en la mención Artista Joven.

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“Adán Reyes: Reflexiones Pop” es el nombre de la muestra individual que hasta el 29  de Noviembre, se exhibirá en   la recocida galería Okyo de Las Mercedes – que celebra 25 aniversario- para exhibir  el  trabajo que el artista plástico venezolano  ha desarrollado, en síntesis,  entre los años  2005 y 2015, y que cuenta con la curaduría de Alberto Asprino.

Adán Reyes nace en Las Mercedes Del Llano, Guárico. Reside en San Juan De Los Morros, Guárico. Es publicista egresado del Instituto de Nuevas Profesiones, en Caracas. Y en paralelo a su experiencia profesional en el campo publicitario se ha dedicado  a la actividad artística, como productor de televisión y  locutor,  indagando por más de 25 años en el arte pop que hoy en día sustenta su propuesta, “en mis obras de  Pop Art  frecuentemente recurro a la utilización de objetos cotidianos,  que me llenan de una gran carga motivacional que a su vez  se  refleja  en la utilización de colores vivos,  considero que abuso del color – confiesa- esta es la tendencia pictórica que me apasiona.”

Su formación autodidacta abarca el estudio de  afamados exponentes del arte a nivel universal, entre quienes destacan Vincent  Van  Gogh, Roy Lichtenstein y Andy Warhol, así como los grandes artistas plásticos  venezolanos, Armando Reverón, Carlos Cruz-Diez y Jesús Soto. Tomando  a los museos como una fuente permanente que nutre su vocación por el arte.  Su labor  se  distingue por  la utilización de  un proceso mecánico de reproducción, mediante el cual duplica sistemáticamente los objetos y realidades con una inmensa carga cromática, reconocibles por todo tipo de público. Para este proceso, cámaras fotográficas, impresoras de gran formato, proyectores y fotocopiadoras se convierten  en su aliado. Y durante este proceso la imagen y objetos son sometidos a simples síntesis gráficas, hasta perder totalmente el volumen, convirtiéndose en imágenes planas.  

La muestra  se exhibe en las instalaciones de la Galería Okyo, ubicada en la Av. Veracruz, Edificio La Hacienda, Planta Baja, Las Mercedes. El horario de exposición es de martes a viernes, de 10:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 3:00 a 6:00 p.m., sábados y domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es libre.

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En el cine

“Coco” reconquista la taquilla y “50 Sombras Liberadas” llega para calar en el Top 5

Este viernes 9 de febrero Cinex enciende sus pantallas con una nueva programación para que la familia venezolana disfrute del carnaval con las mejores películas, y además en el increíble formato 4DX con su promoción Miti/Miti.Anastasia y Christian regresan este viernes a Cinex con el estreno de “Cincuenta Sombras Liberadas”, la tercera y última… Leer más...

TALENTO ST

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Melendi y Carlos Vives juntos en el videoclip El Arrepentido

El cantante español Melendi y el colombiano Carlos Vives se unieron para la creación del tema musical El Arrepentido, hit que promete convertirse en uno de los sencillos más escuchados del momento y que ha cautivado a todos sus seguidores con el respaldo audiovisual que se encuentra en la plataforma digital de Youtube. 

El videoclip de esta melodía recoge en cada una de sus secuencias, un ambiente latino lleno de colores, festividad y sencillez, que se pueden apreciar en varias tomas en donde se ven a los artistas recorriendo las calles de Pescaíto, un tradicional barrio de Santa Marta, Colombia.

Lo llamativo de esta fusión es escuchar al cantautor español Melendi fusionando su estilo con la música latina, los comentarios y receptividad del sus fanáticos ha sido positiva, viéndose reflejado en más de tres millones de reproducciones a tan solo seis días de su estreno.

https://www.youtube.com/watch?v=AQNj9fMnzDo

 

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